Olivia Guasch.
"SIN TITULO".
2009.
moldes de yeso forrado en tierra.
170cm x 150cm x 50cm

Olivia Guasch

Taller Central V

Este trabajo nace de la observación del cuerpo de la modelo que asistió a clases.

A través del dibujo de su cuerpo fui desarrollando distintos temas de interés.

Finalmente el tema que más me interesó tratar fue el del cuerpo como contenedor del tiempo, la memoria del cuerpo. Este tema puede verse plasmado en la piel, el pelo, dientes, la postura, el lenguaje corporal, todo cuerpo está cargado de este tiempo.

Luego me interesó mucho elegir un material orgánico para trabajar, que tuviera una relación coherente con mi tema, una materia mutable, y “natural”, por lo que el barro me pareció muy adecuado.

Investigué sobre otros artistas que trabajan con el tema cuerpo, y me interesaron mucho los trabajos de Ana Mendieta, por ejemplo cuando trata con el tema de la huella del cuerpo, el cuerpo ausente. Me gustaron sobre todo los trabajos en que la artista se entierra, su cuerpo ocupa un espacio determinado y luego al retirase queda ese espacio anteriormente ocupado, vacío, y la tierra de alrededor marca este espacio negativo, como un cascarón.

Otro referente importante es Do Ho Suh, cuando trabaja con el vestuario, el recubrimiento del cuerpo, quedando al interior el espacio del cuerpo desocupado.

Nicola Constantino, tiene unos trabajos en que crea ropa hecha de piel humana, y los diseños de esta son partes del cuerpo , como pezones, tetillas, anos etc., estampados en serie. También trata el cuerpo solo desde el exterior, su recubrimiento.

Por esta razón comencé mi trabajo moldeando el cuerpo, y recubriéndolo con barro, utilizando el material como una especie de vestuario del cuerpo, un exoesqueleto.

Observando el trabajo hecho, era interesante ver como se cruzaban todos los puntos de interés, pero quise fragmentar esta totalidad para que se entendiera además el proceso de desintegración o también podía verse de integración y formación de un cuerpo, por lo que este tiempo depositado en el cuerpo se cierra en un ciclo absoluto donde se cruza en un instante, el momento de la vida y la muerte, que en realidad estos dos términos son el punto inicial del ciclo. En comparación se puede poner de ejemplo una fruta que en su momento de “máxima expresión cuando “vive” es a la vez cuando es comida y “muere”, se desintegra. Momento culmine de vida y muerte, inicio y final. Es un cuerpo vacío, es solo forma en transformación, es parte de un proceso.

El tiempo en mi trabajo queda suspendido, es un tiempo distinto al de los hombres, vivos. Este tiempo es estático, es el tiempo de la naturaleza, el tiempo “eterno”.

Olivia Guasch. A

Entrega final IGnacio Mardones

Ignacio Mardones

"medidas semicorporales"

2009

Lienzos de pino seco dimensionado cortados según medidas del cuerpo

medidas variables.

El trabajo de taller, en donde la observación del cuero humano a partr del dibujo revela ciertas caracteristicas relevantes, me ha llevado a interesarme por su estructura, que se ve reflejado en el esqueleto. Soporte interior de la masa, son los huesos los que le dan las proporciones a nuestro cuerpo. A partir de ellosp odemos distinguir nuestras medidas físicas y armar relaciones netre estos com lo plantea Vitrubio con sus estudios.

Mi investigación se centra en dos partes: primero, mi propio cue

rpo, donde tomo en cuenta las medidas de mis fragmentos del cuerpo en que los huesos son perceptibles (manos, brazos, piernas, pies, entre otros), y segundo, de la relación con el concepto de estructura arquitectónica. Esqueletos corporales, uno para el humano, otro para el edificio.

Como en el taller la obligación fue partir observando un cuerpo ajeno, que aunque estaba a total disposición nuestra nunca fue sentido como algo apasionante para interesarme, decidí utilizar como punto de partida mi propio cuerp. De esta forma comen

cé a generar ciertos grados de cercanía y auto referencia que es lo que me interesa por sobre todo. La medición de cada fragmento de mi cuerpo me dio una visión diferente de este, me hizo darle importancia a cada centímetro, y pude relacionalo y ampliarlo hacia otros campos. Me de cuenta de que funcionan de manera similar a las estructuras arquitectónicas, que me interesan mucho por su estética, su rigidez, y por los espacios y uniiones que se crean en su construcción, previa a la construcción de la fachada del edificio, y que son la base para levantar estas grandes moles.

Así, mi trabajo intenta relacionar ambos esqueletos. Ocupando material de construcción de estructuras, que en este caso es pino seco dimensionado, le daré forma a un nuevo cuerpo, que presentará las medidas de mis "huesos palpables", o sea, de mis manos, mis brazos y antebrasos, mis pies, piernas y muslos, mi columna vertebral, mis hombros y mi cráneo. Cuando traspasé al papel cada una de estas medidas, me di cuenta de que había un orden y efectivamente, como plantea Vitrubio, hay una proporción entre estas partes. 

Así, cada lienzo de pino seco será cortado según estas medidas, y cada trozo será una pieza separada que me permitirá armar la nueva estructura, cuya forma será irregular. 

Dentro de mis referentes artísticos encuentro muy interesante el trabajo corporal de Sherman Fleming, especialmente su perfomance llamada Something akin to living de 1979, en donde transforma a su cuerpo en un pilar, centrado entre dos pilares reales, logrando mantener gfirmes unos trozos de madera apoyados entre él y la arquitectura ha

sta que su cuerpo colapsa y pierde fuerza y resitencia volviendose humano nuevamente. Otro referente es el trabajo Broken kilometer de Walter de María, en donde decide fragmentar un kilometro en quinientas partes iguales, y lo sitúa en el piso del espacio expositivo. Tambien trabajos de Miroslaw Balka, que trabaja implícitamente con sus medidas corporales.

De esta forma, mi trabajo es un acercamiento hacia mi cuerpo, un desplazamiento de este y un reordenamiento de su forma. No posee funcionalidad, no es un mobiliario ni un pequeño espacio arquitectónico, solo es una resstructuración de algunas no

ciones de la corporalidad llevdas a un material en concreto.

fotos del montaje:

Fabiola Silva, entrega final

Cédula:
Nombre: Fabiola Silva López.
Obra: 2/3 de mi.
Año: 2009
Materiales: Instalación con mangueras transparentes,
rellenas de líquidos donde relaciono los líquidos de mi
cuerpo con los metros que estos ocupan en el espacio.
Medidas: 7 m x 4.5 m.


Texto: Trabajo realizado a partir de la observación del cuerpo humano y su funcionamiento, donde se puede apreciar la relación que existe entre los líquidos que existen en mi organismo, como se relacionan con el espacio y la extensión que pueden llegar a alcanzar. Los líquidos que consideré para llevar a cabo el trabajo son los intracelulares, que componen un total de 25 Litros (40%); el extracelular, que compone un total de 15 litros (19%); sangre, la cual son 5 litros (6%); orina que son alrededor de 1,5 litros (1,9%); el sudor y las heces que son 100 ml y por último el líquido usado en la respiración que es un total de 350 ml. El trabajo esta llevado a una escala de 1:5 por temas de espacialidad. Todos estos líquidos componen un total de un 60% del peso de una mujer.

A raíz de toda esta información, realicé equivalencias de litros a kilos, y de kilos a metros, para poder determinar a cuántos litros equivalían una determinada cantidad de metros. Me basé en este método porque me pareció relevante relacionar medidas que no tienen nada en común, además de ser interesante que más de la mitad de nuestro peso sea solamente agua, algo tan variable dada su capacidad de pasar por los tres estados (evaporación, solidificación y líquido).

Uno de los artistas que tome como referente del texto “edificio-cuerpo” fue Ernesto Neto, el cual también se basaba en lo interno del cuerpo para realizar sus obras, como es el caso de “Just like props. Of rain” donde envuelve a la audiencia, guiándolos por una especie de recorrido para apreciar la totalidad de su obra.

Para el montaje revise los trabajos de Donald Judd y Walter de Maria, entre otros, por la forma en que abordan su trabajo, de manera limpia y sistemática, lo que quise llevar a mi obra y en la forma de montarla.

olivia guasch

Carla Castro, Entrega final

Carla Castro Fuster

"Entidad sin id"

2009

16 Piezas, Moldes de yeso

10 cm x 7 cm por pieza

A partir de la lectura del libro Postproducción, Nicolas Bourriaud, que habla sobre el artista en estos tiempos, se relaciona directo con lo que hace la profesión de un Dj, por ejemplo, tenemos dos temas y lo sacamos de su contexto y juntamos ambos temas y creamos uno nuevo, así el espectador, dará su interpretación sobra la presentación que le quiso dar el artista, como dice también Susan Sontang en su libro contra la interpretación, como su titulo lo dice se basa netamente en lo que el artista no debe hacer mientras genera y aborda su obra de arte, no darle la interpretación a la obra, si no que el espectador haga su visión y el le de su interpretación. Este proyecto se realiza a partir de la búsqueda de "identidades", identificación que se manifiesta a partir de la dentadura recolectada de diversos pacientes de dentistas, a partir de este material conformo un híbrido de mandíbulas, distintas en un mismo ser, con esto quiero presentar que "la identidad personal propiamente tal no existe, si no que somos todos híbridos".

La identidad propiamente tal, no es una entidad ontológica, es decir, alma, ya que aquello que nos hace creer que somos lo que somos, no es mas que costumbre de pensar todos los días lo mismo, actuar de la misma manera, recorrer relativamente los mismos espacios en los mismos tiempos. En consecuencia, no es que todos tengamos algo divino que nos haga únicos, si no que la costumbre nos lleva a pensar como somos, entonces la identidad no existe, es un ficticio que tenemos en la cabeza, muestra el quiebre entre el pensar de manera religiosa y manera rigurosa, la decadencia en la ultima instancia.

Las ficciones que meten los medios de comunicación, ficciones estéticas y políticas al mismo tiempo, así mi obra la estaría montando de manera alineada en escala de estatura de 1:1 estaturas existentes, esto hace que se mantenga el ficticio de estos medios.

El nombre "Entidad sin id" nos ayuda a orientar en cierto sentido al espectador, el nombre es soporte para la obra, tenemos estructuras de dentaduras en lo social algo que declara como identidad ya sea por todo lo que la sociedad esa destinada a ver conceptos canónicos de los que es y lo que no es. Los dientes son la disconformidad de un rostro, representan la mezcla de identidades, es decir, poca consistencia de la identidad de si misma que depende por un lado algo tan accidental lo que son los dientes. Al crear una mandíbula de diferentes personas pongo en duda, con el vuelco ficticio de las identidades que propagan los medios de comunicación masiva, concepto mismo de identidad, ese mensaje da a ver un híbrido por eso cristianos dan como híbridos a satanás o gárgolas por ejemplo. Estético daría referencia a lo socio-económico, al formar un híbrido, el espectador se da envuelto frente a un cuestionamiento de que "identidad" tiene en frente, si es baja o alta, la odontología forense es mi recurso científico en base a la identidad refiriéndose a lo socio-económico.

He querido tomar algún fragmento de Paul Valery, poeta estético y filosofo francés, en su libro llamado "teoría poética y estética", dice que esta crisis de la razón es un síntoma para considerar como en vías de desaparición las condiciones se estructura lógica y armoniosamente. Hoy en día, en cambio, la tolerancia del ruido, del olor de químicos nausea mundos y dañinos y del hacinamiento de las ciudades, se demuestra lo anestesiado que vive el hombre moderno, y que rescatando también cuando dice que el hombre occidental sufre de una crisis de la conciencia estética que tiene del mundo, antiguamente, las construcciones del hombre debían ser armoniosas, se buscaba un orden espacial que mostrara un orden mental.

Dentro de mis referentes puedo mencionar en un inicio a Gabriel Orozco, con su obra "My hands are my heart" usandolo como referencia en el lado de metafora con estructuras internas y externas. Y en fragmentos que he tomado del cuerpo me podria referir a Annette Messager con Penetration, presentado asi tambien algo que son los dientes, tanto como interior que exterior de un cuerpo.

olivia guasch

porfavor alguien que me mande una foto de mi trabajo, para poder subir todas las partes juntas...
isidora o tarix o claudia!!!!! gracias.

Camila Ramírez

Camila Ramírez

“Doce vagabundos sobre el centro de Santiago”

Gasa, suciedad humana.
1,60 x 1,50 cms.


Son diversas las formas en que el cuerpo deja un registro de su existencia, de su funcionalidad. Este rastro, la huella, la identidad, el dramatismo del abandono, son las problemáticas que intenta abordar “Doce vagabundos sobre la ciudad de Santiago”. Son doce indigentes encontrados a lo largo de un recorrido por el centro de Santiago los que acceden a estampar su rostro sobre un paño de gasa de 40 x 50 cms. El sudor, la mugre, el aceite corporal son los pigmentos que tiñen estos paños dejando una huella de la vida en la calle, de los días de subsistencia llenos de olvido e incertidumbre. Estos palos son la identidad de los N.N., son los rasgos físicos de sus rostros que les pertenecen y los definen como individuos, con sus propias vida llenas de marcas y cruces. Al igual que la leyenda bíblica, donde Verónica, una piadosa mujer, lleva un paño a Jesús mientras cargaba su cruz de madera camino a su muerte, este paño milagrosamente guarda el rostro de Jesús dando cuenta de su existencia. Esta cita bíblica busca construir un imaginario paralelo de símbolos y signos entre vida, vestigio, huella, identidad y la cruz de sacrificios que estampan estos paños.

A partir del medio y el gesto del estampado de rostros sobre género, donde el referente tiene pleno contacto con el soporte, existe un concepto de index, donde el cuerpo, su rastro y su registro se convierten en la obra, en el objeto de contemplación. Históricamente un antecedente de esto es el velo de la Verónica, que guarda el estampado del rostro de Jesús para ser contemplado, donde a través del index queda el indicio de que “estuvo aquí”, es este el paralelo relacional que se entrecruza con la vida y la huella de los doce vagabundos que estamparon su cara sobre los paños. “Recordemos que el velo de la Verónica (o si se prefiere, para ser más histórico, el Santo Sudario de Turín) puede ser considerado, son su impresión en negativo, con su efecto cautivante de realismo, con su valor de reliquia y de fetiche, como una especie de prototipo de fotografía. Una imagen obtenida por la impregnación directa del modelo sobre el soporte, sin ninguna intervención de la mano en la aparición de la representación.” (Phillippe Dubois, De la verosimilitud al index. 1994)

Dentro de los referentes que ayudan a reconstruir esta obra a partir de la huella, se puede mencionar “Untitled”” (1991) de Feliz González Torres, Ives Klein con su “Antropometría”(1960), y Diamela Eltit, que en su video- performance “Zonas de dolor III” besa a un vagabundo durante tres minutos.

Claudia Gutiérrez

Claudia Gutiérrez
Sin Titulo, 2009
Espuma de poliuretano, anilina al alcohol.
253 x 124 x 0,5 cm.


La representación del cuerpo humano (en su etapa inicial ) esta compuesta por la observación del mismo. A partir de esta observación podemos realizar diferentes representaciones que tienen relación con el interés por el cual se realiza una interpretación, por ejemplo un interés estético, educativo, etc.
Dentro de las representaciones que están en la categoría educativa, se escuentran los esquemas gráficos. Estos son representaciones gráficas o símbolicas que describen sistemas, estruturas y funciones del cuerpo humano. Estos dibujos se conforman de esta manera ya que están destinados a cumplir la función de enseñar y asociar las posiciones de la estructura o los sistemas que se encuentran dentro del cuerpo. Además cada una de estas imágenes contiene aspectos técnicos que permite relacionarlos entre si, como su color, el papel de impresión, tamaño, etc. lo cual permite que se relacionen con el lugar de donde provienen y con esto, los aspectos sociales y economicos que conlleva cada imagen.
A partir de la colección de estos esquemas, se realiza entonces la selección de una imagen, la cual corresponde al sistema óseo, además de la referencia de una representacion del sistema digestivo, la cual es didactica y a la vez educativa, ya que al ser construida de goma eva, permite tener partes que se pueden sacar y volver a poner como un puzzle del cuerpo.
Entonces se relacionaron estas dos, la primera fue la imagen a representar y de la segunda se extrajo su técnica con que fue realizada, teniendo asi como objetivo visual un puzzle del sistema óseo, permitiendo que se pudiera apreciar el mismo procedimiento de sacar por partes los diferentes "pedazos" del cuerpo.
En relación a sus aspectos técnicos, la materialidad escogida para la obra tiene relación con el papel del que esta compuesta la imagen inicial, siendo este frágil, se escogió en este caso un material que fuera blando y a la vez delgado, que se permitiera tener una forma propia y que al momento de ser intervenido no perdiera la caracteristica de doblarse solo. De esta manera el material escogido fue la espuma que recoge todas estas caracteristicas. Se decide entonces descontextualizar la imagen educativa transformando su escala para asi llevarla al contexto del arte, teniendo asi una figura de 2, 80 metros. El color tambien fue exagerado, ya que fue reemplazado por colores más saturados a los originales, teniendo en cuenta el máximo de saturación que permitió la anilina con la cual se tiño el material.

Carla Barahona: Fotografía y ensayo

Carla Barahona

Fuerza, 2009

Escultura de yeso y gasa.

14x 70x 166 centímetros.

Mi obra se basa en las simbologías de las manos, en su ardua investigación a través de los siglos, principalmente quiero referirme en el como estas expresan sentimientos, como estados internos del hombre, sus sentimientos, emociones y actitudes. La mano en la antigüedad significó mucho, ya que gracias a los signos, a la pinturas se le pudo entender, tener una lectura diferente, un ejemplo de ello es la mano apuntando hacia arriba, nace en el tiempo en que aparecen los alquimistas, este símbolo quería decir que Dios era el origen de la razón, que estaba sobre ella y que no hay nada superior a Dios. Mi idea principal es reflejar la fuerza con ayuda de los simbolismos, en este caso utilizaré el gesto del puño para que se logre leer de varias maneras, una de ellas es la fuerza como pueblo luchador, es el símbolo de los que luchan por un país justo y sin corrupción, por otra parte tenemos la fuerza como movimiento, como un golpe que va con rapidez y por ende con mucha potencia, la fuerza misma.

La obra técnicamente se realizará con un molde que será mi puño izquierdo, cada objeto será de tamaño real , el cual se cubrirá con yeso y gasa para luego desprenderlo y así ir construyéndolos en serie para que muchos sean uno, luego será montada una al lado de la otra al aire para que se pueda ver el movimiento que se hace al lanzar un golpe, esto será de 14 x 70 x 166 centímetros, estas extremidades formarán el movimiento, logrando tener un resultado visual que tenga la impresión de mucha fuerza, decidí hacer 10 puños para lograr la distancia de mi hombro hasta donde termina la acción del golpe, esta distancia es de 70 centímetros, finalmente se observará algo volumétrico, proporcional, con fuerza y con movimiento. Mi referente principal es Bruce Nauman. Untitled (Hand Circle), Medium Bronze, silver solder and copper. 67.30 x 63.50 x 12.70 cm. 1996.

El objetivo principal es que el espectador pueda interactuar con la obra, que pueda tener una mirada amplia ante el objeto que se les está presentando, es por esto que la obra estará colgando para que se pueda contemplar en 360º, la utilización del color me ayudará a que la obra resalte en el espacio, es por eso que usaré el color amarillo que simboliza la acción, el poder y simboliza arrogancia, oro, fuerza, voluntad y estimulo, y Psicológicamente se asocia con el deseo de liberación, entre otros significados irrelevantes para mi observación. la forma de pintarlos será en degradé para demostrar la fuerza del movimiento y la forma de pintarlos será en degradé para demostrar la fuerza del movimiento, del puño superior al inferior sera de oscuro a claro respectivamente.

Muriel Mellado

La toma de fotografía del cuerpo desnudo empuja a una reflexión sobre la percepción del cuerpo ajeno, la experiencia del propio y la expresión en el arte.

La obra consiste en una proyección de una diapositiva. En esta imagen se observa un modelo que es mi padre. Al momento de ser capturado el cuerpo fotográficamente se le presenta una frase con respecto al cuerpo dicha por Freud “El cuerpo es el primer ego, y cuando el yo se desintegra, así también el ego”, de esta forma es como este personaje de mi vida enfrenta su propio cuerpo al mundo, de acuerdo a su conformidad y a su propio ego por sobre toda las cosas.

“El desnudo masculino fue inventado por los griegos como genero artístico, en el siglo V a.C., casi un siglo antes que el femenino…” ^[1] Analógicamente en este trabajo se ha querido demostrar que anatómicamente en la edad en la que se encuentra el modelo, da señal de un deterioro y descuido del pasar de los años, en la cual no se muestra una belleza física, ni atlética como era valorado en el siglo V a.C. por los griegos.

El cuerpo se presenta en un costado de la imagen. Por efecto de la iluminación artificial, que esta de forma lateral, proyecta la sombra, delatando su condición física deteriorada.

Es así como se considera importante tomar como referente a la artista mexicana Teresa Margolles. En su obra expuesta en Metales pesados, se muestra el cuerpo desnudo de un hombre en la que en un fondo negro se encuentra situado al centro de la imagen, es esto lo que rescato como referencia para mi trabajo como el tratamiento de la luz, y la disposición del cuerpo del hombre.

Nombre Artista: Muriel Mellado

Nombre Obra: V.M.S
Año: 2009
Materiales: proyección de diapositiva

Tamaño: 2mts x 3mts

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[1] Patologías de la imagen. Cáp. V Imagen y Sexualidad. Pág. 186

Ensayo y Cedula:Valeria Palma

Valeria Palma.

Arbotante. 2009

Proyección de las sombras de una estructura

metálica dentro de una caja de madera.

Aproximadamente de 2x2 metros proyectados

Dentro de una caja de 60 cm.

“Sustraer lo obvio y añadir lo específico” es lo que dice en pocas palabras Maeda en su libro las leyes de la simplicidad; donde lo obvio no es necesario presentarlo, puesto que ya está (tácitamente en algunos casos) es prescindible e incluso llega a ser distractor para lo que realmente se presenta. Lo específico se refiere a los detalles que hacen único lo que se está viendo, logrando identificar la particularidad de las cosas.

En ejemplificación con este trabajo que presento, se puede abordar la simplicidad del cuerpo (lo primordial según mi opinión) a través del esqueleto, la base para todo este sistema tan complejo. Lo “obvio” en este caso, es todo el interior que comprenden los intestinos, musculatura, sistemas circulatorio, nervioso, etc. Nada de esto estaría donde corresponde sin el sistema óseo, el cual los establece en un orden y posición adecuados.

Obviamente estos elementos son imprescindibles para la vida, pero visualmente hablando son unos elementos que sobran, siendo innecesarios para referirnos al tema que quiero abordar El soporte del cuerpo.

En un primer momento quise recurrir al tema de la anorexia, por que textualmente “se notan los huesos” en las personas que sufren esta enfermedad y era literalmente lo que yo quería presentar, basándome en la publicidad del fotógrafo Italiano Oliviero Toscani para Benetton. Posteriormente me di cuenta que no era necesario “exagerar” el tema, puesto que en un mismo cuerpo sano, se pueden apreciar en buen estado los huesos; por ejemplo la clavícula o la misma columna vertebral son parte a lo que me refiero, para ello recurrí a imágenes de Javier Azurdia y Felipe Cooper.

También quise adoptar el tema de la piel y la tensión que en ella se produce debido al esqueleto (además de músculos y toda la cantidad de elementos que sobresalen de nuestra forma) Pero como bien dice John Maeda, refiriendome en este caso, la piel es solo un elemento que redunda lo que quiero hablar, el soporte.

En mi propuesta como trabajo final, quiero presentar un cuerpo creado a partir de los huesos, obteniendo la forma humana a partir de estos, disimulando su estructura a través de la proyección con las luces. Para lograrlo pretendo colocar una estructura de alambre dentro de una caja cuadrada de madera de aproximadamente 60 cm de lado; en su interior colocar una luz que esboce la sombra de este esqueleto de alambre, logrando una figura que presente un volumen; el del cuerpo humano, específicamente el tórax.

El nombre de este trabajo es: Arbotante; En la arquitectura se refiere al arco de un edificio que contrarresta el empuje de otro arco o de una bóveda, generalmente ocupado en el arte gótico, dando la similitud a las costillas, ya que estas cumplen el mismo trabajo, sosteniéndose entre sí (en la parte inferior de estas) logrando una ayuda para la columna repartiendo el peso en estos soportes.

Connie Fernández

Connie Fernández
Bultos
2009
Moldes de partes del cuerpo con globos en vendas de yeso,
Relleno con espuma expansiva.
Seis objetosde variadas medidas.

Este trabajo se basa a partir de la observación y análisis del cuerpo humano en relación a las posiciones del mismo; a partir de este último punto es donde comienza la construcción de la obra, ya que me llamó la atención las posiciones del cuerpo y cómo la carne se adapta a estas.
EL volumen del cuerpo es un tema que me interesa mucho, la carne del cuerpo, como el cuerpo se pliega y se acomoda a las posiciones que este impone, como funciona la carne, de qué manera se manifiesta y qué formas puede llegar adquirir.
Es por esto que la masa del cuerpo se ha vuelto el tema a analizar, el volumen como tal. Por lo tanto he decidido crear figuras abstractas donde se evidencie puramente el volumen y la carne como algo grotesco pero a la vez llamativo.
Para esto he sacado fragmentos del cuerpo en contraste con un objeto “blando” para esto utilicé un globo, y obtuve los moldes de mi cuerpo con vendas de yeso unido a este cuerpo blando. La forma obtenida fue rellenada de espuma expansiva quedando una masa volumétrica.
Los referentes en que he basado mi trabajo son:

Ernesto Neto, Humanoides 2001
Nicola Constantino, Deitch Projects.

Los trabajos de ambos artistas han sido un referente importante, Humanoides es una muestra en la que me interesó estos cuerpos extraños gigantes, que tenían que ver con la idea de mi trabajo acerca del volumen y el cuerpo. En cuanto a Nicola Constantino me interesó la manera en que dispone los elementos de su obra y la relación que hace entre objeto y espacio.

Valeria Palma

Alejandra Constenla Entrega Trabajo "Cuerpo"

Alejandra Constenla
“Fragmentación y Ocultamiento”. 2009.

Módulos Fotográficos de cuatro imágenes las cuales pasaron por un proceso fotográfico digital, fotocopia, fax y finalmente fotografía análoga. Creando 21 fotografías.
135 x 120 cm.

Fragmentación y Ocultamiento

La primera piedra de mi proyecto es la fragmentación del cuerpo, un quiebre de esta unidad tan estructurada, fue el comienzo para una propuesta que aborda el cuerpo.
Buscando el porqué y lo interesante que poseía la fragmentación del cuerpo, llegue a la conclusión de que deseaba romper con la estructura y la esquematización como unidad que posee el cuerpo, centrándome en la forma de partes especificas de él y como actuaban por sí solas. Luego al leer el texto “Edificios-cuerpo, Cuerpo humano y arquitectura: analogías, metáforas, derivaciones” de Juan Antonio Ramírez, editorial “Siruela” me sentí muy identificada con la siguiente frase: “son muchos los ejemplos en los que el cuerpo no aparece evocado en conjunto sino mediante algún fragmento significativo”, algunos de estos miembros o órganos concretos son “edificios-ojos” o “la boca del Ogro” en el parque de Momarzo.
A medida que me interiorizaba por la fragmentación del cuerpo, quise, por este medio, crear nuevas formas. Para explicar con mayor profundidad lo antes mencionado, el proyecto consta de una serie de fotografías blanco y negro las cuales captan fragmentaciones del cuerpo de una mujer, por su forma visual y la sensualidad que puede transmitir. Estas fotografías se encuentran unidas formalmente, pero con mayor importancia por la de la misma imagen, de tal modo que crean formas extrañas, una al lado de la otra.
Un potente referente para la fragmentación de cuerpo es Annette Messager quien en su obra “Mes voeux”. 1989. trabaja con fotografías de fragmentaciones las cuales actúan como conjunto e individualmente.
Este medio de realizar el proyecto, ayuda a sostener una interacción entre el espectador y la obra, ya que la obra transmite una esencia manierista típica en estas formas complicadas, curvas y desproporcionadas. Esto provoca que el espectador tenga que acercarse a analizar la obra, ya que como unidad se produce un ocultamiento del cuerpo, algo importante dentro de mi proyecto, lo cual se ve evidenciado, al momento de realizar la fotografía, ya que consultando el libro “Anatomía para el artista” de Sara Simblet pude rescatar posiciones del cuerpo en el cual el ocultamiento se acentuaba mas. Y también evidenciado por el medio formal de la obra, ya que se realiza un proceso estructurado y con sentido desde que se realiza la fotografía a la modelo hasta la presentada en el trabajo, este proceso consta de:
- Sacar una fotografía con cámara digital a la modelo
- Imprimir esta imagen
- Sacarle una fotocopia
- A esta mandarla por fax
- Finalmente sacarle una fotografía con cámara análoga la cual revelaré.
Este proceso se realiza con las cuatro imágenes seleccionadas. Con este sistema constructivo se realiza un retroceso de la técnica para ayudar a la imagen al ocultamiento de ésta dándole imperfección intencionada y abstracción. Además darle al proyecto un sentido de copia y multiplicidad, relacionándolo a la vez con el mismo cuerpo humano por poseer multiplicidades y copias naturales (dos brazos, dos piernas, dos ojos, etc.). La multiplicidad y la copia también se ve proyectada al trabajar solo con cuatro fotografías, que se van repitiendo y aun así, creando formas diferentes unas con otras, hasta crear una unidad de 24 imágenes. Este proceso tiene un fuerte referente en mi trabajo, Wolfgang Tillmans, quien en sus obras trabaja con un proceso similar.
En definitiva, mi trabajo aborda las características del cuerpo, como su multiplicidad y forma anatómica, además de tener una continua relación por la técnica realizada para que finalmente la obra logre una unión entre el trabajo formal y técnico y su significante.

Entrega Final: Viviana Marín

Taller Central V.

Viviana Marín Ortíz.

La mano.

El presente trabajo se plantea dos temas que participan como ejes de la obra: el tema principal, que abarca la inquietud generada a través de determinadas zonas del cuerpo, y por otro lado, la capacidad de expresión de las manos. En el primer tema, se hace un acercamiento a la mano como un cuerpo extraño que produce altos niveles de contrastes ya sea por forma, posición, textura o volúmen. Esta sensación de anomalía aumenta con el cambio de escala, haciéndola incluso más perturbadora y distante. La expresividad de la mano es interferida, conectándola así mismo con la problemática de la inquietud, dejando en un segundo plano su capacidad simbólica y logrando ser leída desde diferentes perspectivas. Así, la forma se vuelve esclava del mensaje.

Ron Mueck trabaja con esculturas gigantes e hiperrealistas, logrando impactar al espectador gracias al detallismo que poseen sus obras. Este referente hizo que me replanteara el trabajo y decidirme por trabajar a gran escala, ya que en si, es mucho más impactante.

La inquietud, la angustia o la extrañeza por una mano gigante sacada de contexto, fue por lo tanto, trabajada en pos de generar una sensación de este tipo. No es una mano común y corriente, una mano hermosa o una mano realista. Se toma la estructura de ella y se modifica, se vuelve un animal, algo salvaje, algo que aún sin estar dotado de vida, es capaz de provocar.

El material usado, fue escogido para lograr crear una forma con apariencia orgánica, tosca, pero a la vez pulcra, con capacidad de formar diferentes volúmenes y sombras a partir de los espacios por donde entra y sale la luz. Los dedos crispados, la posición de agresividad y/o tensión, todo fue generado por la utilización de masa “Das”. Un tipo de masa especial fabricada con papel molido y que daría a las formas la capacidad de aparecer rugosas, curvilíneas, unidas pero con cierta fragilidad. El color de la masa, es sutil, capaz de cambiar dependiendo de la fuente lumínica y de la posición del espectador.

El montaje está resuelto de tal modo de que la mano quede a la altura de los ojos del observador, destacando con su color negro, la figura en contraste.

tarix Sepúlveda

Texto.-

Obra realizada a partir del cuerpo humano, en la cual se muestra la relación peso de un cuerpo  y, materia externa a él. Usando como puntos de partida la cita “los brazos y las piernas son el primer contacto del hombre con el mundo exterior” (Movimiento, Arte y Percepción Visual, Rudolf Arnhein), las extremidades del cuerpo humano son partes  que pueden ser livianas pero a la vez soportan el peso total del cuerpo, por lo que me los pies se desarrolla la mayor relación entre peso y materia. Las extremidades del cuerpo y el cuerpo mismo sirven como medidas anatómicas hacia la arquitectura (Edificio-Cuerpo), por lo que las diferentes relaciones que se pueden lograr con las extremidades del cuerpo, son el mayor interés para partir con la realización de la obra.

La obra muestra cómo influye el peso del cuerpo sobre la materia, esto afecta según el peso del cuerpo. El encuadre del video se utiliza para mostrar esta relación, el encuadre es en primer plano pero a ras de suelo, para que la mirada no sea la usual que se ve de el cuerpo, fue editado utilizando el tiempo no realmente como se grabo (a  tiempo real) sino ralentizado, para enfatizar esta idea de cómo actúa el peso del cuerpo en esta materia blanca, que no es una masa ni una materia dura, se creó un ambiente neutro para que el cuerpo interactuara con el material pero resaltando a la vez su mirada, para que el material no fuera lo que resaltara más en la obra se controlo poniéndolo a dentro de una caja de acrílico, así su resultado sería el indicado.

Utilice como referentes a, Pipilotti Rist con su video “Extremidades”, a Richard Serra con sus obras “TWU” de 1970/80 y “Melnivok“de 1987, de las cuales me interesa la relación peso/estabilidad, a Teresa Margolles con el video, que se encuentra en la librería metales pesados, la cual me interesa la forma del trato del cuerpo con agentes externos a él y la decisión de cómo encuadro el video.

Montaje.-

Cédula.-

Tarix Seúlveda

Untitled. 2009.

Video (00:02:03,one show)

Telon (2.44 cm x 2m)

Foto cédula montaje.-

Texto y cédula

Proyecto: CUERPO
De las poses con la modelo desprendí el aspecto volumétrico corporal, básicamente en el volumen que ocupa un cuerpo en el espacio. Mi trabajo se encuentra en el medio de la instalación. Utilicé un tipo de camisa (escolar), para referirme al sistema educativo en Chile, específicamente a la forma en que son educados los niños en los colegios públicos. Creo que las herramientas entregadas por estos establecimientos y los medios de comunicación los transformaran a futuro en consumidores, en donde el individuo no importará, sino si este consume o no. De esto puedo desprender varios ejemplos, el caso de las farmacias, muchas personas fueron estafadas por estas empresas, ese es un caso privado, un caso público lo pueden ser los hospitales, con sus estructuras de funcionamiento, otro ejemplo el transantiago, con los malos manejos económicos, y en el día a día las personas se ven afectadas. Este es un tema que es contingente y genera un debate constante en las autoridades públicas.
Para generar volumetría, y denotar la ausencia de los cuerpos utilicé una técnica llamada “almidonar”, que consiste en sumergir las camisas en agua hirviendo con maicena para que estas logren una rigidez y no tengan la consistencia de ropa blanda y ligera.
Así el espectador reconocerá características sociales en su proceso de comprensión de la obra, me refiero a que se denotará un “vaciamiento” ya que no tendrá ninguna extremidad ni menos cabeza, será una representación de este suceso antes mencionado.
Mis referentes son Juan Pablo Langlois, chileno, específicamente su trabajo Papeles Ordinarios, que consistía en 30 figuras de cuerpos desnudos, con una escala reducida, en donde situaciones cotidianas, algunas chocantes se mostraban al público de una manera directa. Es mi referente porque trabaja con el cuerpo si bien en otro contexto histórico, retrata el ambiente que todos sabían pero que nadie se atrevía a decir. Otro referente es el trabajo del artista Do-HoSuh coreano, la obra llamada Uni-form, consta de 60 uniformes escolares que evocan una fila de soldados, aludiendo a un tema histórico en esa sociedad. Su trabajo me parece interesante al ser seriado y tratar cuestiones actuales en su contexto social.
Nombre: M° Teresa Córdova

M° Teresa Córdova
Su Turno
2009
5 camisas escolares talla 8 (cortadas
en la mitad), 10 argollas de alambre.
4.40 (estiradas) x 30 cms.

Entrega Final

María José Albornoz

Cuerpo

Rebalse

El cuerpo se revela cuando deja de estar sostenido por los huesos, cuando la carne deja de recubrirlos y existe cada uno por su lado, los huesos como estructura material del cuerpo, la carne o materia como material corpóreo de la figura. El rebalse de la materia a partir de los huesos, por sobre ellos. Son aspectos de la materialidad del cuerpo la carne-sangre, carne-fibra, músculo, grasa, víscera, etc.

Las características que esta materia posee en contraposición a la estructura ósea son la vulnerabilidad, destreza y movimiento. Entra aquí, entonces, una mayor posibilidad de cambio de la materia, de adaptación, de aumento o descrecimiento de la masa.

Pero el tema principal a trabajar en el proyecto no es la materia en general (piel, grasa, músculo, fluidos). Si no esa materialidad específica que tiene una capacidad de cambio acelerada y que se caracteriza por definir una forma rebalsada cuando alcanza sus máximas transformaciones; la grasa. La grasa posee características físicas, como la porosidad, de textura de relieve, la masa. Características que aumentan cuando la capacidad de transformación de la materia aumenta, es decir cuando aumenta el tamaño.

Con respecto a estas tres características de la materia: flexibilidad (moldeable), textura (grasa, materia), y sobre todo el rebalse, por sobre una estructura que prácticamente se pierde bajo el exceso de masa, se articula el proyecto:

Dibujo que pretende generar por medio de un soporte de dos dimensiones la percepción de la moldeabilidad, textura y rebalse de la materia-grasa de un cuerpo. La idea es generar un dibujo que a su vez desborde el medio de dos dimensiones, generando características de un soporte de tres dimensiones.

La elaboración comienza a partir de la posibilidad de cambio, de transformación de la materia (en este caso la grasa) en su máxima capacidad, mostrando el rebalse y descontrol a partir de un cuerpo.